林莉酈〈大眾澡堂-1〉44x80cm，絹本膠彩，2025。     2025的當代一畫廊，邀請兩位女性藝術家攜手以雙個展的形式，為其首檔展出揭開序幕。   林莉酈與胡晴雯的最新創作，通過水墨與膠彩反映現實的生活片段、和創作者游離於現實之外的精神世界。展出內涵20餘幅作品，呈現兩位藝術家相輔相成的創作脈絡，在物質性與精神性之間搭起一座橋樑，邀請觀者在光影與時間的流動中，感受生命的豐富與深邃。     胡晴雯〈透光〉45x100cm，銀箔、墨、鉛筆、盛上、紙，2024。     舊影重遊─林莉酈個展   林莉酈以平實筆調表現沉靜的心靈感受，取材自日常所見，作品呈現的室內空間、街景擺設以及植物盆栽，情感含蓄內斂，而不見任何引人注目的企圖；氤氳的灰調、搭配高彩度色質，與台灣膠彩畫習見的鮮麗大不相同，表現其個人獨到的色感與美學。     林莉酈〈前山浴室〉43x77，絹本膠彩，2025。     作品畫面充滿對日常事物的溫柔凝視，從童年田郊的純真記憶，到成年後的思索，融合自然、宗教與人造物的象徵，林莉酈從藝術家的角度，重新審視生活裡的每個細節，從中提煉生與死、開闊與封閉的矛盾，藉細膩筆觸將這些感受具象為畫面語言，讓觀者在作品中窺見物質世界背後的靜默與震動。     如影隨形─胡晴雯個展   胡晴雯偏好觀察光影與萬物互動的變化，使用金屬媒材突破傳統水墨主題的盲區，寫意筆法描繪抽象和流動的時光，利用硫磺水與銀箔產生交互作用，自然衍生線條和筆觸；並善用銀箔易氧化的特性，沉澱焦灼的色彩在畫面中留住了時間的軌跡，展現傳統與現代技法相輔相成的可能性。     胡晴雯〈朽葉〉30x30cm，銀箔、礦物性顏料、硫磺、紙，2024。     以光為核心，捕捉生活中片刻的感性經驗，將那些不經意流淌的瞬間凝結為悠長的詩意，觀察光影映照萬物表面、滲透萬物內裡的此消彼長，光的存在沉澱了心靈上的紊亂，成為藝術家的精神反射，也是創作中不可或缺的主題，胡晴雯通過描摹光影的善變與易逝，將這些特質轉化為對生命旅程的觀察與深思。       《舊影重遊 x 如影隨形》林莉酈 x 胡晴雯水墨雙個展 〈What Difference A Day Makes X Inseparable〉- Ink Paint Dup Solo Exhibition 日期」2025.02.07 — 2025.03.22 地點」台北市光復南路22巷32號1樓 營業時間」週一至週五10:00-18:00星期六13:00-18:00     資料及圖片提供」當代一畫廊 編輯」江瑜

蛇年迎春萬象更新，新的一年誠品畫廊以「繭之詩」為名推出全新特展，並邀請日本藝術家北川宏仁、台灣藝術家李明剛、楊子逸、潘麒方、李秉璈，以及香港出生的藝術家張柏林等人之作，以赤陶雕塑、油彩、壓克力顏料、水墨等媒材，映照日常肖像、重建風景等當代生活模樣，揭示當代社會的碎裂感及網路世界的流動性，訴說人際間若即若離卻又無可名狀的內在感性。   北川宏人所作人物雕塑矗立在展場中央，其完美比例彷若與觀者一同漫步欣賞。 以人物雕塑聞名的北川宏人，利用陶土捏塑將人物身形拉長，達到其所理想的完美比例，不僅蘊含西方雕塑的古典氣質，亦兼具日本動漫美學。特別的是，北川宏人手下作品雖擁有時尚外表，神情中卻透著一股憂鬱疏離的茫然，刻畫出泡沫經濟下日本青年的無奈和苦悶。   李明剛，憑拳，2024，壓克力顏料／畫布，50 x 50 cm。從生活場景出發，在現實與虛擬間創造嶄新的繪畫語彙。 「空間記憶的探索與重構」是李明剛的創作核心，本次展出從疫情期間至今的繪畫作品，其中可見透過掃描、拼貼及去背等手法，擷取生活場景片段，將其轉化為介於現實與虛擬間的敘事場景，表現人們透過網路及迷因獲取認知與共鳴，在虛實交錯中反映當代碎裂而嶄新的繪畫語言。   張柏林，在速度之上，2023，油彩／紙，51 x 36 cm。 生於香港的張柏林，本次展出涵蓋2019年至近期所創作的肖像畫，其人物多散發著如聖人般的微弱光環。在作品中，肖像畫象徵著張柏林探討自我的多重投影，彰顯人們被欲望牽制而感到無力的痛苦與掙扎，透過反覆消抹、塗刮等手法，紀錄與重構人們存在的心理狀態。   楊子逸，山間的影子，2025，水墨／絹本，88 x 140 cm。 楊子逸以水墨為媒材，圍繞「山水」作為發展前奏，利用塊面狀作為主要基調，繪製出獨樹一格的「自然」，透過墨於宣紙上的寫意和流動暈染，審視物我之間的關係。藉由磨墨、繃絹、單色墨塊反覆疊加，最後填於上礬的絹布之上，彷彿穿透表象探見背後真實樣貌，不為表層所蒙蔽，探討眼見與心視之間的差異。   潘麒方，麒麟花，2024，油彩／畫布，91 x 60 cm。 風景是潘麒方的繪畫主題，習慣於尋常景物中，挖掘被化為氣味、記憶、印象及各種情緒等體驗，進而探索景物間的連動關係。在此次展出的近兩年之作中，藝術家從回憶與感受出發，以清晰姿態出場卻又迅速消散，因此其作品總在清晰與曖昧的記憶間構築而成，成為可見事物的再延伸，以及「不被量化的感性」呈現，藉以提出屬於現代風景畫的新見解。   （右）李秉璈，野望，2024，壓克力顏料／畫布，163 x 97 cm。（左）李秉璈，想像藍海。2024。 李秉璈在2021年《壓馬路》及2024年《想像藍海》等繪畫新作中，以日常生活、網路社群及零星記憶為靈感，從這片破碎訊息中捕捉資訊畫面，在放置與疊合間創造出似曾相識的感受，猶如開啟或連繫或獨立的多個視窗，重新審視日常過程，賦予繪畫另一層的時代含義。   繭之詩 時間」2025年2月8日至2025年3月22日 地點」誠品畫廊丨台北市信義區菸廠路88號B1（誠品生活松菸店） 線上展廳。   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

「我創作的核心是透過重新打造、去除原有敘事，將世界變成一座模型；此時世界變成寓言，而整個作品計畫就是隱喻。製作模型是一種文化技藝，沒有它我們就無法見證一切。」──托瑪斯．德曼    德國藝術家托瑪斯．德曼（Thomas Demand）世界巡迴展近日登台，並於臺北市立美術館展出。展覽由攝影展覽基金會、尤倫斯當代藝術中心與北美館共同製作，美國策展人道格拉斯．佛格（Douglas Fogle）策劃。德曼曾參與「2002台北雙年展」，本次睽違20餘年重登，匯集從1990年代至今近70件作品，呈現其30年融合雕塑與攝影的創作實踐。 精心設計展場燈光，在明暗間細膩感受作品所暈染出的意境。 從工具到藝術媒材的轉變 起初，德曼僅以紙張和硬紙板為素材創作雕塑，攝影原本是紀錄作品的工具。在拍攝過程中，發現物件實體與相機鏡頭所呈現平面影像之間的差異，而後發展出以攝影為目的建構物體的創作方法，成為創作的主要媒材。   托瑪斯．德曼，《檔案》，1995，C-Print／水晶裱。 德曼的創作題材多取自知名歷史或社會事件，重現影響西方、全球局勢轉折的關鍵時刻。早期觸及未曾親身經歷、透過圖像認識的德國歷史，如1944年希特勒險遭暗殺、被炸毀的房間（《專室》，1994）；納粹所支持電影導演蘭妮．萊芬斯坦（Leni Riefenstahl）的電影資料庫（《檔案》，1995）等。   重現歷史與文化場景 此外，德曼重建多起世界重大新聞事件的場景，例如：唐納．川普2017 年就任美國總統前召開記者會中，為證明已交出名下企業經營權而堆疊於現場的文件 （《文件夾》，2017）；美國國家安全局洩密者艾德華．史諾登（Edward Snowden）逃亡至俄羅斯時曾落腳的飯店房間（《避難所》系列，2021）。 托瑪斯．德曼，《控制室》，2011，C-Print/水晶裱。 警方查獲30件失蹤數十年名畫與雕塑的威登斯坦研究中心（Wildenstein Institute）密室（《保險庫》，2012）；311大地震後福島核電廠廢棄的控制室 （《控制室》，2011）等。   托瑪斯．德曼，《石窟》，2006，C-Print／水晶裱，透過硬紙板仿真石窟意象，落於攝影圖像便是人們集體對石窟印象的濃縮。 人類文化如何詮釋與再現「自然」，以及人造和自然世界的分野，一直是德曼感興趣的創作主題。以超過27萬張紙製樹葉創造《森中空地》（2003），一幅陽光從樹冠灑落的夢幻森林場景，呈顯人們對純淨、原始自然樣貌的浪漫憧憬。《石窟》的場景由36噸的硬紙板製作而成，藝術家收集並研究數百張世界各地禮品店銷售的石窟明信片，建造出仿真石窟及經過數千年累積而成的鐘乳石。  托瑪斯．德曼，《花見》，2014，UV 印刷，無紡布壁紙。展場入口，以《花見》大面鋪陳立面，聚焦視線吸引觀者目光。 橫跨此次展間出入口牆面的壁紙攝影作品《花見》則為觀者打造沉浸式環境體驗，利用紙製出無數櫻花，以稍縱即逝的花期，冥想生命短暫與周而復始的本質。   日常系列：重現生活中的詩意 2008年，德曼轉移到生活題材上，創作「日常」系列。藝術家採取相同創作手法，將影像轉換成紙雕再拍攝，不過此系列的影像來自日常中偶遇、用手機拍攝的一隅即景。 丟在層架上的空優格冰淇淋杯與粉色塑料湯匙。 「日常」系列為德曼以尋常視覺元素譜寫的自述，讚頌生活中蘊含無限意趣的微渺末節，濃縮成對歷史的理解：歷史不僅是世界各地的恢弘事件，也同樣包含個體生命的凡常絮語。有鑑於手機的普及及大眾對在社群媒體分享影像的痴迷，透過耗時精心重製生活中詩意而平凡的瞬間，引人反思快速生成和傳播、充斥於當代社會的影像。 托瑪斯．德曼，《太平洋豔陽號》（動畫截圖），2012，定格動畫。  在紐西蘭海岸遭熱帶風暴巨浪襲擊的郵輪船艙內，桌椅、儲物櫃等物件向兩側滑動的滑稽景象，花三年時間，用紙和紙板重現。 定格動畫則是德曼對動態影像構成的探索。《太平洋豔陽號》取材自一段網路上瘋傳的監視錄影機畫面；《氣球》（2018）中，一串繫在紅色塑膠晾衣夾上的氣球，在混凝土與磚石人行道上被風吹而緩緩飄動。畫面中只見夾子、五顏六色的絲帶，氣球本身卻漂浮在畫面之外，僅透過投射在地面的影子顯現，宛如跟著即興演奏的小步舞曲輕巧而慵懶地移動；伴隨搖曳的樹影、偶爾在地面掃過的落葉，作品捕捉城市生活中往往被忽略、不經意的詩意瞬間。 托瑪斯．德曼，《椋鳥》，模型研究4，2020，數位版畫框裱。   2011年，德曼在洛杉磯蓋蒂研究所（Getty Research Institute）駐館期間，開始「模型研究」系列創作。主要聚焦在建築與時裝設計師的紙質模型初稿，擷取其中局部與抽象元素，揭示紙如何成為構建世界的基礎。   《置物櫃》（2018）以圖像輸出鋪於四周立面，享受層次豐富的視覺感受。 另外，在視覺世界建構環境的探索過程中，以其攝影輸出為壁紙介入白盒子空間，如《圓管》（2018）與《置物櫃》（2018）圖像在兩個展間中滿布四面展牆，為展示賦予空間層次感。   藉由紙張、硬紙板、攝影等平面影像重現真實場景。 透過紙材的巧妙建構與光線、陰影的編排，乍看近似真實世界的攝像，卻了無人跡，仔細審視更會發覺是用紙張和硬紙板重現。以平面的紀實影像為依據，精心搭建還原場景的紙模型並拍照，直至銷毀模型、徒留鬼魅般的影像，透過在原影像與最終準攝影分身間進行重製與轉譯，暗示歷史影像與真相的差異。   托瑪斯．德曼 他擅以大眾傳媒中常見的紀實影像為對象，以紙材精細地重建實物尺寸的場景，接著透過鏡頭取景拍攝出近似原影像的畫面，再將模型全數摧毀，用大尺幅攝影輸出再現。藉此，他認為攝影是絕對客觀的真實媒介，探索現實與重現之間的距離。德曼作品曾在全球各大美術館及藝廊展出，並在第26屆聖保羅雙年展（2004）代表德國參展，更曾四度於威尼斯建築雙年展登場。出於對模型與建築的喜愛，德曼歷年來也與多位國際知名建築師如大衛．基帕菲特（David Chipperfield）、雷姆．庫哈斯（Rem Koolhaas）以及SANAA建築事務所等合作，包含展覽、裝置，甚至是建築工程案。   托瑪斯．德曼：歷史的結舌 時間：2025年1月18日至5月11日 地點：臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺

「2024金點設計展」已於台北松山文創園區「台灣設計館」正式開展，本次精選近兩百件榮獲金點設計獎及金點概念設計獎的作品，透過六大設計趨勢主題與空間體驗，呈現來自台灣、中國大陸、美國、日本、英國、泰國、波蘭、新加坡、馬來西亞、菲律賓等地的得獎佳作。   金點設計獎作為台灣歷史最悠久、具指標性的設計獎項，每年評選出優質作品，表揚設計者與業者的創新成果，帶動產業重視設計價值。2014年起更積極推動國際化布局，開放全球設計從業者參賽、同時擴大國際評審團陣容，今年海外參賽作品件數逾五成，已躍身為國際知名獎項；每年舉辦的得獎作品特展「金點設計展」亦能一次飽覽海內外頂尖設計。 2024金點設計展主視覺。   六大趨勢共構展覽全貌 2024金點設計展由新銳策展團隊「極製設計所」策劃，策展人游麲從作品的本質與關注議題切入，規劃了六大主題：「設計基石」探討設計在基礎設施與公共系統中發揮的作用與重要性；「倡議支點」強調設計如何回應社會多元價值觀，以及在促進公共討論與推動社會變革中的作用；「科技拓界」展出科技在解決社會需求中的創新應用；「生活擴界」呈現不同視角的生活提案，透過空間設計和商業品牌創新，打造多樣化和靈活的日常體驗；「地方迴聲」著重設計如何回應自然環境、重新詮釋文化，形成推動地方發展的力量；「物質探索」則展示設計師對材料的理解與應用，重點強調回收材的再利用與循環系統的構建。   全展旨在強調設計如何在社會創新、科技應用、永續發展與地方文化中發揮深遠影響力，並以多元跨域的專業視野，將策展理念、展出作品與空間設計緊密串聯，激發觀者的情感共鳴與深層思考。   空間語彙扣合主題 《室內interior》特別邀請游麲分享策展思維。他閱覽上百件的獲獎作品後，訂立出上述所提的六大主題，突顯金點設計獎所關注的方向；展覽空間則運用不同的設計語言，精準詮釋各大主題。 第一區（01展間）展出「設計基石」與「倡議支點」議題，室內整體敞亮開放，具有重量感的白色展台就好似奠定社會基礎的基石，他特別將量體轉了45度角排列，如基石般穩固，象徵設計作為社會基礎力量的重要性，同時也強化觀者的遊逛經驗。 第一區（01展間）「設計基石」、「倡議支點」透亮開放。展台以45度角排列，陳述如基石般穩固的意象。 第二區（02展間）聚焦「科技拓界」與「生活擴界」，有鑑於台灣科技產業發展蓬勃，產品每年推陳出新，其實也象徵一種突破邊界的動力，因此，不規則的折線展桌有效延伸了空間，隱喻科技不斷創新與日常生活風格的拓展，並賦予垂直動線更蜿蜒且多向的靈活度，引導觀者自由探索。 第二區（02展間）聚焦「科技拓界」與「生活擴界」主題。以不規則折線展桌延伸空間，隱喻拓界的概念。 第三區（04展間）則圍繞在「地方迴聲」與「物質探索」，他發現現行許多設計作品十分強調與地方的串接，不論是風土文化的梳理，抑或是與在地工藝產業的結合，致力彰顯地方特色；另一方面，資源日漸匱乏，如何在有限物質中開發新的可能，也成為設計者關注的焦點。 第三區（04展間）圍繞「地方迴聲」與「物質探索」。使用漣漪狀的展桌，表達材料循環的價值及延續地方文化。 展間中使用漣漪狀的展桌，表達材料循環的價值及延續地方文化的意象，並透過碎石級配與金屬質感，襯托出該區對材料質感與創新的關注；為呼應循環設計的理念，策展團隊亦將過往展會中的桌子、光板等物件回收再造，轉化為不同情境的載體，不僅延續展會的歷史記憶，更意涵了設計的傳承與新生。 第三區（04展間）圍繞「地方迴聲」與「物質探索」。使用漣漪狀的展桌，表達材料循環的價值及延續地方文化。  由於展品分別依主題性被放置於三個不同空間，「選選研」設計的主視覺則肩負串聯的責任；主視覺將代表三個展間的元素──量體、折線和圓弧曲線相互交疊後，再拆分至展間相互呼應，將空間和視覺和諧整合，更易於與大眾溝通。游麲期待藉由金點設計展打破各個設計範疇的專業邊界，以六大主題作為議題導向，提出具想像與未來性的問題，讓設計成為推動社會進步的解方。 Atelier SUPERB 極製設計所 / 游麲 極製設計所主持建築師／設計總監。英國UCL Bartlett建築碩士，為Atelier SUPERB 極製設計所＋游麲建築師事務所主持建築師，目前同時任教於東海大學建築系。團隊在多元跨域的背景下，認為設計藝術沒有實質專業的界線，從建築專業跨足室內空間、地景、都市設計、藝術創作、展場設計、品牌企劃等，期許不拘泥於單一類型的創作路線，相信設計思考與溝通是當代最具整合性的專業能力，而設計與製造過程即是一場行動，是觸發進步與趨近未來的原動力。曾獲得日本Good Design Award、德國iF設計獎、英國[d]arc燈光設計獎、TDIA台北設計大獎、TID Award台灣室內設計大獎、Golden Pin Design Award 金點設計獎等。   2024金點設計展 日期」2025年4月6日前 地點」台灣設計館01、02、04展間   焦點作品報導請見>> 泰國篇 日本篇 資料及圖片提供」台灣設計研究院、Atelier SUPERB極製設計所 採訪」陳映蓁

今年泰國參賽件數十分踴躍，足可見泰國豐沛成熟的能量，近年來在設計的發展與推動上，可說是令人驚艷且成果有目共睹。本次金點設計獎系列報導彙整多件泰國的亮點作品。   1922 Architects｜N.L.N. Villa 位於清萊的木造住宅，主要使用再生木材，結合現代建材與建築工法打造，提升木造建築的耐久性。設計以雙層屋頂和高腳設計為特色，有效減少熱度和濕氣，並提供全天候遮蔭。室內布局符合人體工學，並適應當地氣候與生活方式，推廣更環保的居住理念。   Hanabitate Architects｜Lanna Rice Research Center, Chiang Mai University 不僅是研究中心，也作為多功能空間，服務學者、農民至學生等不同使用者。建築設計將各空間排成一列，藉此獲取充分的自然光與通風，竹簾則能有效隔熱。採用混凝土等當地材料，建造磚牆、拋光地板及屋瓦等處，降低維護成本；牆體則利用稻米磚，可同時展示中心培育的稻米品種。   IDIN Architects｜Harudot Chonburi by Nana Coffee Roasters Harudot咖啡店結合了「春天」與「起點」的意象，象徵新的開始與成長。建築設計以中庭樹木為核心，圍繞著黑色山牆，彷彿樹木穿過建築生長；內部空間採用溫暖松木和曲線設計，戶外座椅則以樹脂與咖啡渣製作；地面嵌有花瓣與名言，融入品牌理念，增添互動趣味。   ativich / studio｜Ralyn's Residence 基地位於曼谷，住宅面積共200平方公尺，巧妙地融合泰國傳統建築特色與現代材料技術。設計以泰式高腳屋為靈感，將功能性空間設置於二樓，並運用雙層水泥外牆與側開百葉窗，調節自然光和通風，呼應傳統木質百葉窗的功能；圓形水泥柱則喚起傳統泰式房屋木柱的印象。   Physicalist｜Baan Klai Wat 以「熱帶花園中的涼亭」為設計概念，打造開放、有遮蔽且中性的度假場域，環繞著自然採光、通風與植栽美景，建築、室內與景觀間界線在此消融於無形。五棟別墅環繞中央庭院排列，一樓採通透開放設計，透過全景玻璃門讓室內外無縫連接，實現在花園中生活的體驗。   The Others Co., Ltd.｜OB HOUSE 以立方體造型為建築特色，透過「實與虛」的變化，在各立面創造出節奏感，同時保持整體的和諧，回應屋主對於極簡俐落且富設計感的家居想望。設計強調室內外空間的流動感，中庭與螺旋梯讓每層樓的功能性空間自然連貫，並確保充足採光與隱私。   Tofu Company Limited｜The Bound House The Bound House結合商業與住宅空間，重新定義都市生活。面向街道的街屋與後方連棟住宅及綠地共同創造了活力社區。A型住宅設計為街屋、B型住宅以磚牆致敬當地文化，中央天井引入自然光；C型住宅有庭院增強通風與採光。每棟皆採自然通風與被動節能，實現永續生活。   EKAR Architects｜The Sayla Hotel 本案目標為翻新因疫情陷入經營困境的老飯店，透過重新設計空間提升品質與吸引力，並延續社區精神，與居民產生共鳴。建築運用清邁與周邊地區的磚材，形塑類似清邁古城牆的紋理，公共庭院的設計既保留傳統生活氛圍，也期待吸引人們駐足。   Mobius Studio Co., Ltd.｜Kaew Boutique Kaew Boutique提供泰式創意甜點，並結合咖啡廳、共同工作空間及寵物友善區，打造當地觀光新地標。建築內以類似蛋黃的結構，在中間設有庭院，構建互動交流的場域；考量當地日照、風向和降雨，設計山形般的屋頂，兼具機能性也打開山景視野。   Unknown Surface Studio｜Uncloud Coffee 建築型態以流暢的線條，模擬極光的動態光影，無縫連接內外空間。以地形條件區劃三大區域：入口結合吧檯與座位區、戶外休憩區及內部工作區，立面設計以弧形屏障減少噪音與熱能，同時最大化山景視野，並透過中庭引入自然光，提升室內採光效果。   Architects 49 Limited, TK Studio Company Limited｜ WASTE MANAGEMENT BUILDING, KING CHULALONGKORN MEMORIAL HOSPITAL, BANGKOK 本案為朱拉隆功紀念醫院廢棄物管理大樓設計，依工具和設備尺寸設置相應區域，並以紅、黃、藍色對應全球通用廢棄物分類標準，方便員工分類處理。大樓空調系統產生的多餘能源則用於烘乾垃圾桶，並設有通風與氣味控制系統，確保對周圍環境的影響降至最低。 Coomaxtudio｜Marni 以泰國傳統剪紙藝術「Ma-Hod」為靈感，藉由創新技術打造竹編燈具，手工桑紙透出溫暖柔和的金黃光芒，營造流動光影的效果；燈座採拋光黃銅，簡約又不失質感。Marni有桌燈、落地燈及吊燈三種款式，以永續竹材製作，並結合演算法設計和3D列印，減少材料浪費。   mflex factory Co., Ltd.｜Ventilation Block - Air Flow (BTL 201) AIR FLOW (BTL 201)是一款具特定寬度的空心磚，可依照不同建築目的保持空心或增加裝飾性側面，並可內嵌鋼筋，無需額外鑽孔或切割。使用天然土壤混合製作，展現不同來源土壤的天然色彩與質感，同時保留自然的泥土氣息與美感。   Manita Songserm｜Crossover ll: The Nature of Relationships 《CROSSOVER II: 關係的本質》展覽探討了1945年至2000年期間，泰國現代藝術、藝術家與環境之間的關係。為突顯這一時期藝術家對於色彩的獨特運用，主視覺海報從展出的70多件藝術作品中萃取顏色與組合，讓觀眾在欣賞真實畫作前，先感受豐富的視覺饗宴。   The Head And The Heart Studio｜Stupid Stay Stupid Stay是一家充滿活力的旅館，將「愚笨」解讀為探索自我與創意的起點，而非缺陷。識別設計也由此延伸，旨在喚起人們的好奇心並鼓勵探索，從標誌、字體和排版系統，皆特意缺乏明確的指引，反映透過「愚蠢」發現自我道路的旅程。   資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁

鄰近台灣的日本，旺盛的設計力以及充滿辨識度的美學，在在展現了日本對於文化、藝術、工藝等方面的堅強實力，成為風靡世界的設計強國。我們亦可從金點設計展中一窺日本設計者嚴謹精湛且與時俱進的精彩作品。   TERRAIN architects｜Kashimada Nursery 此作為位於東京的托兒所，以適合孩子體型與活動需求的八疊榻榻米空間為單位，圍繞中央柱子形成風車狀布局，並共享一個百寶箱般的空間，存放文具和書籍。兩棟風車形建築相互獨立，承重牆將室內外、花園和步道無縫連接，透過結構元素引導孩子探索互動。   Masatoyo Ogasawara Architects｜Redefining Public Restroom in the Park 重新改造羽田機場旁的公園公廁，讓公共廁所變得更具親和力和包容性，打破負面刻板印象，同時兼具功能性和美學。設計上則融合傳統與現代元素，使用日本檜木和燒杉木，增加美感與耐用性；廁所外面設有長椅與觀景台，提供可放鬆享受周遭美景的環境。   TBWAHAKUHODO Inc., quantum Inc.｜SHELLMET 《SHELLMET》是由100%北海道當地廢棄扇貝殼製成的安全帽。外型採用仿生設計，模擬扇貝外殼結構，達到高強度與耐用性，製程上與一般塑膠安全帽相比更減少了36%的二氧化碳排放；使用後的SHELLMET可回收再製，促成更永續的資源運用。   Chi Design｜Chiritori X Houki 2.0 《Chiritori X Houki 2.0》將逐漸消失的傳統工藝，依當代美學重新設計，融入現代生活空間。掃帚由職人手工製作，採用環保材料，具清潔與減少起毛功能；畚箕則利用家具廢木料再加工，設計簡潔、符合人體工學，展現傳統工藝與現代設計的融合，傳遞手作溫度與細膩。   TETUSIN DESIGN｜Organic Fertilizer "YAKUZEN" and Compost System Local Production for Local Consumption 《YakuZen》是結合大學生物技術與天然材料的有機肥料，應用東方醫學原理於土壤改良。以地方生產與消費堆肥系統，將區域廢棄物轉化為高效且安全的肥料，提升土壤品質；此系統以當地資源生產肥料，實現廢棄物管理、土壤再生和食品安全的目標，並獲得有機JAS認證。   AISIN CORPORATION｜YYSystem 這是一款為聽障人士開發的語音與聲音視覺化應用程式，藉由專屬演算法幫助使用者精準溝通。具備即時轉錄、降噪處理和使用者字典功能，提升溝通順暢度；介面設計直覺，並包含聲音圖示等功能，有助於聽障人士主動參與社交，享受更安全、安心的生活。   sankaku｜sankaku Volume 2: Ramen sankaku是一份來自日本的獨立印刷刊物，聚焦手工藝與職人，第二期以「拉麵」為主題，採用真空封裝的速食麵，作為書封一部分。封面設計將日常食材置於不尋常的情境，將這本書轉化為一件藝術品，挑戰讀者對書籍的認知，也探索書籍設計的更多可能性。     資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁

台北當代藝術館於MoCA Studio推出「指劍之舞─蕭言中創作40周年經典作品展」，由策展人黃志偉策劃，展出台灣漫畫藝術家蕭言中40年來的重要作品，從早期膾炙人口的單幅漫畫《童話短路》，再到近年開創的「指劍畫派」，全面展現其以幽默詼諧風格塑造出的獨特藝術世界。   單幅漫畫《童話短路》以詼諧的幽默風格展現漫畫藝術。 「漫畫」兼具敘事性與視覺藝術特質，以其普及性與強大的文化傳播力，成為反映時代與社會現象的重要媒介。蕭言中自創作以來，一直秉持單篇形式，歷經30年的創作旅程，放下慣用的沾水筆，改用平板以手指創作出筆觸洗練、氣韻悠長的作品，從令人會心一笑的漫畫情節，到充滿情感的動物形象及突破自我的人物作品，以化繁為簡的線條力道，展現他「簡單」、「深刻」的人生哲學。   「指劍畫派」以俐落的線條筆觸呈現獨特的藝術視角。 蕭言中以純粹、簡練的線條表現出各種圖像，其創作不僅是技法的創新，更是個人哲學的展現，利用敏銳觀察力和創意力製造許多歡樂，讓5、6年級生重回往日時光，感受藝術家特有的幽默因子。   幽默詮釋時代文化 蕭言中作品以輕鬆幽默、深刻洞察時代手法，描繪從日常生活到童話的多重面向，最初以《童話短路》一舉成名，並成為台灣家喻戶曉的漫畫家，後續推出《整形》、《笨賊一籮筐》等作品，更奠定了在漫畫界的傳奇地位。其中，以幽默詼諧和略帶趣味挑逗著稱的《堵住水壩的少年》，成為蕭言中單幅漫畫代表作之一。 《堵住水壩的少年》立體雕塑裝置，形塑沉浸式的二次元氛圍，深刻感受漫畫中情節。 本展精選超過85組經典名作，將原稿與出版成品並列呈現，從創作到完成的細節美感完整展現。除平面作品外，還特別展出《堵住水壩的少年》立體雕塑裝置，邀請人們穿越二次元界限，更加深刻享受漫畫中的趣味情節。   《可愛系列》展區以簡單線條描繪輪廓，表現可愛趣味的藝術面向。 化繁為簡 線條變革與藝術升華 「線條」對蕭言中而言，是他創作生涯40年中最為關注和重視的造型元素。2017年，蕭言中創立「指劍畫派」，迎來生涯重要轉折。藉由將傳統書法的精氣神與數位技術結合，用手指代筆如「指劍」般在平板上揮灑，指勢舞動生氣錯落有序。 《我思故我在》人物一氣呵成，線條簡約老練而圓潤。 《回眸鍾情》用數筆線條的流動交織中展現甜蜜。 《太極III》結合武術與禪學，盡顯隱隱發功劍氣。 透過運用簡單線條創造出《可愛系列》，生動描繪動物的喜怒哀樂，賦予可愛而充滿童趣的姿態，讓人不禁感受到純真的快樂與溫馨。   指劍之舞─蕭言中創作 40 周年經典作品展 時間」2024年12月21日至2025年2月16日 地點」台北當代藝術館 更多展覽內容請見台北當代藝術館官網。 資料及圖片提供」台北當代藝術館 編輯」林靖諺

國立臺北教育大學北師美術館推出眾所矚目的年度展覽「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』——W Collection & More 1951-2005」，由林曼麗名譽教授擔任總策劃，本展重現草間彌生與台灣接觸的原點，特別重製1998年台北雙年展現地裝置作品《圓點的強迫妄想》，並聚焦1951年至2005年間其百轉千迴的藝術創作生涯。 北師美術館推出草間彌生個展。   除了公眾所熟知的圓點、無限的網等標誌元素，本次亦展出較少曝光之1960年代行為錄像作品、草間彌生設計繪製的服飾、1970年代的拼貼創作，以及1980至90年代的巨型裝置作品。除重製《圓點的強迫妄想》，其餘作品皆為首次在台展出，透過四個子題：「草間的綻放」、「圓點・原點」、「草間的蟄伏」、「Love Foever」，ˇ出近70組／件精選作品，涵蓋繪畫、拼貼、軟雕塑、大型裝置、行為展演錄像、服裝等多種創作形式。   圓點幻境經典重現 此次展覽從草間彌生1998年創作台北雙年展創作巨型現地裝置的《圓點的強迫妄想》大型氣球裝置開啟序幕，當時她受昔時臺北市立美術館館長林曼麗及策展人南條史生之邀，以七個帶有黑色圓點的螢光粉紅氣球佈滿北美館中庭，是草間彌生以 巨大雕塑與公共空間對話的重要節點，該次展覽亦開啟這位風靡全球的藝術家與台灣的頻繁交流，展後該作即獲北美館典藏。 二樓展場照。裝置作品《圓點的強迫妄想》。 此次北師美術館與草間彌生工作室緊密合作，透過北美館典藏的作品草圖、裁片設計稿、皮料樣本及模型等檔案文件，草間彌生工作室跨海監製，結合日本工法和台灣在地技術，26年後重製原尺寸的七顆螢光粉紅黑點氣球，重現於北師美術館的挑高展廳中。6公尺高的玻璃帷幕如同渾然天成的鏡屋，觀眾可穿行於氣球之間，鏡射的氣球與空間中的實體氣球相互映射，創造出迷離失重的身體感受。 二樓展場照。 二樓展場照。裝置作品《幻影的彼方》。   《圓點的強迫妄想》創作的1990年代，是草間彌生1973年自美國返日後，重回國際觀眾視野，而後大放異彩的關鍵時期，是謂「草間的綻放」；展覽從「綻放」開始，再倒敘回到草間彌生創作的萌發時期「圓點・原點」，從20多歲的作品《點》和《自畫像》一探她早期的圓點樣貌、對自我形象的探討和塑造，以及初至美國藝壇闖蕩時所繪的《海底》，已然可見「無限的網」系列作品雛型。 草間彌生，《點》-1，1951，42.7 × 30.2 cm，墨水、紙。©草間彌生 隨後草間彌生經歷了至親離世、返回日本卻不受原生社會接納肯定的生命歷程，是為「草間的蟄伏」；最後來到地下室的「Love Foever」，回看1960年代草間彌生於紐約時期的「乍現」行為錄像、伴隨演出而設計繪製的服飾，以及早期的環境裝置《驅迫意象》。 三樓展場照。《春之祭典》。  地下一樓展場照。 總策劃林曼麗期許本展能讓觀眾看到不一樣的草間彌生，見證藝術家創作中複雜且多元、深具原創性與突破性的豐沛能量，藉由這些難得一見的作品，親炙其內裡的精神性。草間彌生傳奇的藝術生涯起始於日本，在美國汲取前衛藝術浪潮的養分、實踐其對藝術的大膽想望，同時也是一位勇於挑戰社會體制、忠於自我的藝術先鋒，以其鮮明獨特的藝術魅力橫掃全球。展覽關照草間彌生生命經驗與藝術語彙的錯綜交織，深入其創作實踐的發展「軌跡」，在探問藝術家何以持續開創嶄新可能的同時，也期待與觀眾一起擁抱藝術與生命的「奇跡」。   草間彌生的「軌跡」與「奇跡」——W Collection & More 1951-2005 展期」2024年12月21日至2025年5月4日 地點」北師美術館   資料及圖片提供」北師美術館 編輯」陳映蓁

Bluerider ART 台北．敦仁於近期推出代理藝術家「蘇珊・庫恩：烏龜出任務」（Susanne Kühn: Turtle Quest）最新個展，展出近期精選新作：《烏龜出任務》（Turtle Quest），藉電腦遊戲以此探討生成、虛擬與真實之間的閾值，以及藝術能為人工智慧教學所帶來的貢獻。   Smoking underwater , 2024, 200.5x120cm。 《在水中抽菸》（Smoking Underwater）將自家種植的蘭花以擬人化呈現，透過描繪水中環境的滋養與危險、吞雲吐霧的自在與健康隱憂，表現生活中的各種矛盾。 右二：Observed, 2024, 100.5 x 70.5cm；右一：Cut, 2024, 80 x 71cm。   此次新作中特別以柔和的粉蠟筆色調，營造可愛卻讓人不自在的人造世界，如《浮華世界》（Vanity）的芭比家具與孔雀肖像畫，隱喻了人造世界的虛榮與膚淺；《觀察》（Observed）畫面中的建築結構，取材自文藝復興時期畫作，卻染上了人造玩具的粉紫色調，與背景中的日本卡通角色相映成趣，構築有趣而瘋狂的世界。《切割》（Cut）則提供觀者娃娃屋般粉色建築的窺探視角。   現實與抽象 蘇珊．庫恩的風格是現實主義、超現實主義和抽象的獨特融合，具有鮮明對比和層次豐富的構圖，庫恩色彩豐富飽和，充滿了生機勃勃的色調，為她的場景增添了一種繁茂、近乎夢幻氛圍。其作品深受繪畫史影響，從不同藝術運動中借鑒技法、主題和美學感知，並在當代語境中進行重新詮釋。   將風景與靜物元素，融入抽象概念，描畫超現實風格畫作。 藝術家從經典風景畫和靜物傳統中汲取元素，並融入其標誌性超現實和抽象風格，採用文藝復興時期的透視和空間構圖手法，透過深度和層次感引導觀眾，在空間、氛圍與光的層次上讓現實產生幻覺。 Palette- Palette Konrad Witz, 2022, 250x190cm。   其中，大型植物形象令人聯想到歷史靜物畫中的植物細節，但又突破其傳統邊界，象徵自然在城市化世界中的韌性。藝術家對建築元素和幾何形式的使用，反映了現代主義畫家及包浩斯運動的影響，同時將剛硬的形式與流暢的自然線條結合，營造出一種既熟悉又煥然一新的和諧視感。   Pansy underwater, 250x200cm, 2023​。 超乎想像的邏輯跳躍 庫恩作品充滿了微妙且帶有諷刺意味的幽默，溫柔地挑戰觀眾的認知與期待，體現在對比例和並置關係的巧妙處理上，誇大的植物形態和超現實景觀，與精確而幾乎僵硬的建築元素形成詼諧對比，對自然和人工元素的誇張融合， 暗示了人類試圖與自然共存的努力，帶來荒誕而意想不到的結果。 Flash Sketch 7, 2020,  framed  54 x 44 cm。 此外幽默感亦表現不合邏輯的元素，創造出一種怪誕、夢幻的質感，物體似乎「長」在彼此上或出現在意料之外之處，為作品增添了輕鬆氛圍，柔化了其中的哲學意味。   將處在不同時空的事物和諧相融，使多樣元素相互對話，形塑多面向的藝術視角。 本展將超現實、各種時空及領域的文化符碼相互交織拼貼，呼應文藝復興時期概念，窗框提供了敘述景觀視角。在繪畫敘述，創造一個豐沛生命力的複合體，融合當代網絡世界，與觀者在過去、現在與未來進行對話，透過輕鬆而微妙的幽默，為作品增添了概念深度，在哲學沉思及視覺享受間達到平衡。這種多層次方式使作品既具視覺吸引力，又富有思想性，多面向與觀眾產生共鳴。   蘇珊・庫恩：烏龜出任務 時間」2024年11月23日至2025年1月23日 地點」Bluerider ART 台北．敦仁   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺