豪華精品酒店Thompson Hollywood於近期正式開幕，鄰近好萊塢（Hollywood）及維恩區（Vine），是Thompson品牌於加州的首間酒店，樓高11層，共有190間豪華客房，並設有酒吧及可俯瞰都市美景的露天泳池。 大廳。 酒店的室內建築及設計由國際知名團隊Tara Bernerd & Partners操刀，整體形象鮮明而且大膽，將西岸的現代主義與俏皮的好萊塢經典合而為一，同時又能夠保有時尚優雅的風格；聰明的空間布局，加上豐富的紋理、中世紀的家具及精心挑選的藝術品，令Thompson Hollywood成為造訪洛杉磯時不能錯過的地點之一。Tara Bernerd & Partners創辦人Tara Bernerd表示：「Thompson Hollywood將成為洛杉磯心臟地帶的全新地標。我們希望透過設計展現充滿活力、大膽卻又溫馨的氛圍，每個設計細節都是量身訂造，洛杉磯優閒的生活模式亦滲透在其中」。 賓客接待處 大廳。風格強烈的家具成為空間亮點。 因應酒店位處的地點，大廳的整體設計瀰漫著中世紀晚期的工業風味及魅力，門前的格子地磚行人道引領旅客走向Crittal風格的雙開大門；內部裝潢靈感則來自西岸派建築，以中性色調的木材為主調，與鑲嵌著黃銅線條的米白水磨石地面構成鮮明對比。融合中世紀及現代風格的家具，配襯由Tara Bernerd & Partners設計的地毯，工業風加上充滿手感的面料及豐富的紋理，成為整間酒店重點。 大廳酒廊及酒吧 休憩區一隅。 延續了接待處的悠閒氛圍，提供旅客悠閒享用飲品與用餐的環境，為使室內的視覺效果更顯對稱，酒吧兩旁皆利用L型長椅搭配充滿復古韻味的咖啡桌椅，深沉煙草綠色中帶點汽油藍的特殊牆體增添了空間的清新氛圍，亞麻布及織布等元素則豐厚了語彙層次；為了貫徹綠意盎然的氣息，無論置身於任何座位，皆可被綠色植物所包圍，與自然為鄰。酒吧區則藏身於酒廊後方，以吸睛的復古綠色縞瑪瑙打造吧檯，上半部為開放式黃銅架，替不同形式的酒瓶和酒杯帶來了存放空間。  酒吧區。吧檯由綠色縞瑪瑙打造，黃銅架則提供了酒瓶和酒杯擺放的位置。 客房 Thompson Hollywood的所有客房均選用寬幅胡桃木地板及奶油色牆面，以明亮柔和的色調打造出沉實而溫馨的感覺。房內同樣擺放了盆栽植物，室內細節盡顯低調卻奢華，其中別具心裁的迷你酒吧更備有皮製雜誌架及托盤，精緻實用兼備。房間內的床邊桌提供充足的收納空間，燈光及裝飾品的搭配更見巧思，令整體空間別有一番風味。 而套房則規劃於角落位置，設有落地玻璃採光，室內通透明亮，房內備有綠色天鵝絨躺椅梳化，配合大理石檯面的用餐及工作桌，展現出簡潔統一的舒適格調。 資料及圖片提供」Tara Bernerd & Partners、PURPLE 編輯」陳映蓁

若查詢杜拜的天氣，觀光局會告訴你，全年四季氣候溫暖，每年10月至隔年5月，氣溫約在攝氏20-35度，和可達到攝氏40度以上的6至9月夏季相比，較為舒適宜人。5年一次的世界博覽會，首度在中東地區舉行，原先訂於2020年10月於杜拜展開，無奈受到新冠肺炎疫情影響，由六成以上會員國投下贊成票的決議之下順延一年，於2021年10月1日正式開幕，為期182天，直至2022年3月31日止，迎接來自各地的遊客。 純白色系建築量體位於「機遇展區」，以日本熟悉「白銀比例」來配置。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 與夏季奧運相同，正式名稱仍沿用「2020杜拜世界博覽會」，有192個國家及地區參與，不僅是世界最大展覽，被視為各國彰顯實力的舞台，國家場館出自各國名師，更是綜覽能否成為經典之作的建築界盛會。本屆核心主題訂為「溝通思想，創造未來」(Connecting Minds, Creating the Future)，設置「永續發展」、「流動性」與「機遇」三大主展區，透過多元知識交流期許構築更美好的世界。 日本館鎖定在中東、非洲地區的未來發展，達成更多經濟暨文化交流，日本身為下一屆2025世界博覽會主辦國，更加重視「2020杜拜世界博覽會」，在主導的經濟產業省、日本貿易振興機構JETRO審查之下，選出由曾操刀「LOUIS VUITTON 京都大丸店」、「豊島橫尾館」的建築師永山祐子執行，成為首位設計世界博覽會日本館的女性建築師。  從正中央的廊道進入，彷彿走上寺院參道的儀式感轉換觀者心境。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 2020 杜拜世界博覽會日本館 建築設計」DENTSU LIVE INC.(總策劃)、永山祐子建築設計 (建築設計) NTT FACILITIES, INC.(設計整合、概念設計)、ARUP( 結構、設備、 FACADE ENGINEERING)  建築類型」文化展館  地點」杜拜 建築執行面積」3,200 平方公尺 建築施工」OBAYASHI MIDDLE EAST CONSTRUCTION, LLC 永山祐子 1975年生於東京，1988年畢業於昭和女子大學生活美學系。1998~2002年任職青木淳建築計畫事務所，2002年成立永山祐子建築設計。 阿拉伯圖騰與日本文化的交會 日本自古文化便相當重視相逢緣分，有著「一期一會」的說法，相遇之中吸收外部新知或文化，進而衍生出新鮮創意，提升自我價值。這屆日本館主題定調為「創意交會」(Where ideas meet)，初始規劃中，即點出建築必須符合的要素:除考量杜拜一整年高溫潮濕氣候，要節能減碳又避暑，選擇適合當地的材料，盼運用日本獨特的建築技術，揭示對於地球永續發展的環境技術，充分發揮日本各領域的實力。繼2015年米蘭世界博覽會結合傳統與最新技術的立體木格子建築、2000年漢諾威世界博覽會中，建築師坂茂運用最擅長的紙管建築後，2020 杜拜世界博覽會的日本館位於「機遇展區」，純白色系的建築外觀設計，融合阿拉伯圖騰與日本平安時代流傳至今的麻葉紋樣意象，從平面幾何紋飾轉為立體的傳統木工藝「組子細工」來發想，雖然在歷史上，日本與杜拜兩地看似關聯性低，但據說有著絲路來串連，企能重現當時文化的相互對話。 前方水池倒映著日本館，不僅為建築降溫，也延續日本傳統建築融入水景的手法。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 建築師永山祐子表示:在杜拜世界博覽會主題「溝通思想」(Connecting Minds)之下，思考建築如何達成中東與日本文化的連結、技術的溝通是主要方向。文化層面展現在量體外觀，技術則是源於中東地區自古便有水資源的課題，調查下得知日本的淡水化技術在中東相當受到肯定，因此於建築前方規劃水池，搭配中東傳統的換氣風塔與日本開發的冷卻系統，更冀望日本館本身達成人與人溝通聯繫的場域。 折型禮法 盛迎來客 建築外觀以約 2,000 張柔軟輕薄的白色 PTFE 膜與立體桁架結構不斷重複構築，恰能包覆場館遮擋日曬且通風，比起一整張大面積的膜結構覆蓋，約為人體半身大的布膜堆疊，隨著風吹搖動更創造出風的可視性。所表現的立體感有如細緻的日本摺紙意象，其實是無心插柳，而是在地人的提醒關注下發現相當類似。恰巧摺紙正是源自傳統文化中，贈禮時在和紙包裝出現的「折型禮法」，也能象徵以崇敬款待之意來迎接入館的客人。如此具有特色的外牆是先行確立會採用球型系統桁架，設計時為了能使細節更加精準，透過電腦來演算膜的數量、位置，進行參數化設計，並透過虛擬實境 VR 來驗證，更與製造商一同確認模型決定最終細節，最後達成超乎預期地理想成果。 外觀設計融合阿拉伯圖騰與日本平安時代流傳至今的麻葉紋樣意象。 © Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 總面積超過5,000平方公尺日本館前，水池除了有降溫功能，還成為一片天然的鏡面，倒映著建築，並利用水的蒸發熱來調節自然風的環境裝置達成永續精神。思考量體配比時，由於所在基地平面為梯形，便以日本熟悉的「白銀比例」(1:1.414)來切割出兩個等腰三角形，區劃建築量體與水池。對比於西方美學的黃金比例，從上空俯瞰場館時也能展現出日本傳統美學語彙。 約2,000張柔軟輕薄的白色PTFE膜與立體桁架結構打造日本館印象。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 謙禮環境 水景入映 從正面來看，建築量體刻意退縮於池面之後，隨著穿越水池的路徑走入，創造出日本風格及蘊含的和式美學精神。讓人不禁聯想到自古以來，日本建築便擅於將水景融入庭園，透過水面不僅映照出因應季節、氣候的細微轉變景觀，也讓建築不斷產生各種表情，特別像是平安時代興起的「淨土式庭園」。而一邊欣賞倒映於水中的建築，一邊從正中央道路進入，更有著走上寺院參道的儀式感。建築師永山祐子也將本案與2020年JR東日本高輪Gateway站前的活動「Takanawa Gateway Fest」與「HOUSE VISION 2016 EXHIBITION」視為自己「水之三部曲」的作品之一。 場館參觀動線開端，白色PTFE膜能遮擋日曬且通風。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 永山祐子接受《室內 interior》專訪時說明：在今日生活中，以國家為個體單位的概念已逐漸消失，而是邁向全球化，在建築業更是顯而易見。例如在打造建築物時，多數建材皆來自國外，因此會去思考全球化世界中的日本角色，從日本風土民情、與伴隨而來的自然觀、衍生的文化等來發想日本館要傳遞給世界的魅力。本案中，除了考量了如何使用全球化材料，也同時向參觀者表現日本的世界觀；日本有著所謂「陰翳禮讚」的美學概念，曖昧的空間性即是日本建築的魅力之一。 她指出日本館提出的並不是強而有力的量體，而是和緩地讓內外空間連結，從刻意退縮的建築配置、透過立體格子與布膜來展現的細緻光影，並且能自前方水池的細微水波紋表情欣賞倒映在水面搖曳的立體格子。這些源於日本人從自然環境而來的美學意識、與實現其成果的技術成為本案最重要的理念。而早已進軍中東地區的日本海水淡化系統，以及實現本次立體格子構造的成熟技術也涵蓋其中。 挑高的等候區，白色PTFE膜完整包覆全區。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 對於自己在中東地區的首件作品，永山祐子敘述，中東與日本所使用的材料規格不同，選材時頗為辛苦，對於完成品的想法也有所差異，是在本案中遇上的難題。由於基地距離歐洲較近，此次主要的外牆系統是來自德國，運輸上相對便利。而自2018年開始執行的2020杜拜世界博覽會日本館在施工期遇上疫情，受到跨境限制，讓工程執行變得困難，過程中還導入360度攝影機與遠端檢查系統，透過網路在嚴謹而綿密地溝通下才得以完成。提及遇上疫情時代，永山祐子表示，日本館的主題是呼籲思考解決地球的課 題，而疫情便是需要面對的新課題，在疫情期間建造的日本館當然也不斷遇上需要解決的問題，對於最終能夠完工，也呼應了日本館主題感到十分高興。 用科技讓虛實相會 進入室內，參觀者率先抵達的大廳空間為二層樓挑高，有鑑於上一屆日本館相當受到歡迎，人潮爆滿，這裡是刻意留給入場者的等待區，而風吹搖曳的純白布膜完整包覆此空間。館內規劃連續性環繞的階梯，參觀者隨坡道動線依序前進，預估每人停留時間約60分鐘。 連續而沿著等候區環繞的階梯創造動線。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 為了讓來場者體驗到日本館所要傳達「透過多樣的交會發展出創意，進而交流，朝美好未來邁進」的主旨，並成為連結至下一屆日本國際博覽會的橋樑。館內分為六大區塊，包括:遇見日本、誕生於自然的文化、現代日本技術、世界的課題、創意交會與未來社會燦爛生活的設計，隨著穿梭在不同區域之間，動態影像與聲光效果刺激著各種感官，更有藉著細緻霧氣與投影藝術，創造出前所未有的沉浸式體驗，觀者可從中認識日本歷史、文化與藝術。 夜間點亮燈光，讓猶如日本折紙藝術的 PTFE 膜更加生動。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 從大自然環境中學習的「現代日本技術區」以一個個精巧模型呈現，針對當前世界需要面對的各種課題，空間內利用鏡面的無限反射功能，讓影像蔓延其中。「創意交會區」觀者可擁有360度視角的劇院空間;最後區域則是介紹將於日本舉行的2025世界博覽會，場中可見大阪關西會場模型，並有巨大螢幕的影像投影，展現關西在地印象。美食，同樣也是世界認識日本的要角之一，今年選定迴轉壽司連鎖品牌「壽司郎」，進駐場館前的池畔，淨透玻璃的建築外觀融入日本館量體，空間內則以和風為主題迎接來自世界各地的參觀者。 2020杜拜世界博覽會日本館平面圖。© 永山祐子建築設計 配合10月1日的開幕，「虛擬日本館」也同步於線上展開，讓無法親臨的人能感受。以「創意交會」為概念的影片、構築日本館的元素乃至製作過程將一一呈現，而展期中更會隨時傳遞杜拜當地的即時消息。預定12月中旬起，甚至設置能夠遠端操作的分身機器人avatarin，依人體高度設計的機器人隨著瀏覽者操作自由移動，還能近距離欣賞展出，讓人猶如置身現場。而另一個特別設置的「循環 JUNKAN -Where ideas meet-」網站，則點出目前世界需要面對的重要課題或如何解決的創意方向，設定為訊息共享平台，無論從線上或日本館入場者，都能夠留下意見來互動。 圖片提供」Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 撰文」Chienpei Huang

 猶記得2013年東京申奧成功時，日本舉國歡騰的畫面在各媒體擴散，我也跟著莫名興奮，盤算將一同參與。彼時東京申奧形象大使－女主播瀧川克莉絲汀在宣傳提出，將以日式熱情款待之心「O・MO・TE・NA・SHI」迎接世界，也讓世界更加認識東京，認識日本。   然而無可預期地，2020年初開始的新冠肺炎嚴重打擊了世界，也包括東京在內，各項活動陸續停擺、取消……最終，延期了一整年的夏季奧運與帕奧總算順利完成。而由東京都主導，原意為迎接世界各國遊客，隸屬 Tokyo Tokyo FESTIVAL Special 13一環的「Pavilion Tokyo」也配合奧運及帕奧順延一年，於今年夏天圓滿展出。   隨著準備期延長，原訂的展出內容與地點也有所變更，參與建築師與藝術家團隊則增加至8+1組，包括藤森照信、妹島和世、藤本壯介、石上純也、平田晃久、藤原徹平、会田誠、草間彌生、真鍋大度+Rhizomatiks。作品展示以東京奧運主場館「新國立競技場」周邊為主，從澀谷、青山到濱離宮恩賜庭園與因應東京奧運開設的「高輪Gateway」站，並於主要企劃的「Watari美術館」展示各作品的草稿、模型等概念。以都市新景觀讓造訪東京的人能夠在遊逛城市之間認識世界仍未知的日本文化魅力。如參展者之一的平田晃久在相關講堂中所言，56年前的東京奧運打造出多座場館，是建築師們大顯身手的舞台，這次雖未能再現建築盛況，也盼藉此小型場館群凝聚力量，傳遞創作者們眼中人與都市的對話。    藤森照信－茶室五庵 以茶室建築為人所熟悉的藤森照信，延續東京奧運要迎接世界的款待之心，獻出最新茶室作品。二層樓高的底座覆以草皮綠意，上層則將杉板燒製，經過碳化熱處理，使其更防火耐久，由外便可見傳統茶室的窗戶、障子門扇意象。自1樓穿越狹窄梯子攀上2樓，茶室典型的4蓆半面積中，考量訪客來自世界各地而增加坐式桌椅，結合和紙與壓克力的燈具也是首次嘗試。開窗後視野正對著龐大量體的「新國立競技場」，有如畫框般納入都市景觀，關閉時又彷彿瞬間移動，進入茶聖千利休的世界。藤森照信在開幕記者會中也表示，展期結束後盼能運回自己的故鄉長野茅野市，和目前既有的多棟茶室，包括「高過庵」、「低過庵」等藤森照信建築群一同展出。 獨一無二的茶室矗立於東京。攝影：ToLoLo studio 開窗便可見奧運主場館之「新國立競技場」。攝影：ToLoLo studio   妹島和世－水明 為展現日本魅力，妹島和世盼於有歷史淵源的基地發揮，最終選上被現代高層建築環繞的傳統日式庭園「濱離宮恩賜庭園」內的「延遼館」。全長168公尺的鏡面水道蜿蜒穿梭於林間草坪，打造平安時代庭園中的「曲水」風景，透過鏡面與澄淨水面映照天空及周邊景觀，是呈現「水」的場館。雖看似是靜止水面，其實有著水流循環的裝置，在精準調節地面高度後，水流會隨著設置其中的人造花與植栽產生變化，在多種視角下能發現不同風景。因會受風雨等天候影響，經過多次實驗與調整，開展前妹島和世也幾乎每日前往確認，完成融合於自然中的作品。 俯瞰「濱離宮恩賜庭園」中的鏡面水道。攝影：妹島和世建築設計事務所 藤本壯介－Cloud pavilion 延續藤本壯介自己從首次個展以來對於雲朵的熱情，作品名為「雲之場館」，同時設置於擁有豐富自然的代代木公園與現代感十足的「高輪Gateway」車站。考量到夏季展期，希望讓參觀者更加舒適，以飄浮在各國、各地角落，有如世界大屋頂的雲朵來發想。材質選用氣球，需不停維持膨脹狀態，欲創造出能包容所有的建築，透過高度計算，在其陰影下區劃出空間範圍，看似有著外觀，卻沒有壁面的隔閡，打造一個似建築又非建築原始定義的作品，而隨著設置地點的不同，所反映的周邊環境也讓觀者有不同感受。 代代木公園內被自然包圍的 Cloud pavilion。攝影：木奧惠三   石上純也－木陰雲 選在都市中卻能保有隱密性的九段下「kudan house」，這棟1927年建造，西班牙風格的企業家私人宅邸庭園內，運用碳化熱處理，將杉木表面燒製焦黑，於園中佈滿柱子並架起屋頂，遮擋住現代的高樓建築，並在構造上穿鑿出無數的小孔讓光線能夠穿透，與樹蔭之間的空隙交錯，映射入點點光源，呈現彷彿廢墟化的場景，以復舊的「新」建築完美融入歷史風景。在被自然綠意圍繞的庭園中，即使夏日展期也能夠讓參觀者感受涼意與舒適感。 日光透過樹蔭與刻意穿透的孔洞灑落。攝影：後藤秀二   平田晃久－Global Bowl 青山通上的聯合國研究機構前廣場，一直以來便是讓都市呼吸的留白處，平田晃久以「將世界包圍其中」為概念，選用讓人想親近撫觸、甚至坐下停留的溫潤木質，設置有如翻轉龜背造型的巨大木碗。穿透性的多孔裁切是在日本最新的3D加工技術協助下，實現挖空巨木的概念。將一塊塊木材削成像恐龍骨架般，再到現場進行組合磨製，打破作品空間內外的界線，往來行人能自由地穿梭進入其中、休憩，也像是呼應留白廣場在都市的角色，夜晚更會打燈呈現非日常感的謎樣氣氛。 穿透性高的多孔裁切打破作品界線。攝影：ToLoLo studio   藤原徹平－Street Garden Theater 擁有舞台藝術等跨界背景的建築師藤原徹平最初以劇場相關為主題，欲呈現從街頭起源的傳統藝能，甚至提出展期之間移動劇場的想法。但隨著疫情變化，宅家期間他再次意識到植栽與人們的關係，靈感來自出現於都市各角落的微小植栽風景，因此主題修正為自江戶時代以來的日本園藝文化，於青山地標之一的岡本太郎雕塑旁打造出「為了植物與人的劇場」。透過木桁架結構與植物的多重纏繞，以「植栽樑」為名，乘載著花卉、香草植物甚至是蔬菜的盆栽，使用者可走入其間欣賞，感受都市脈絡中植物與人們的對話。   作品位於青山地標之一的岡本太郎雕塑「兒童之樹」旁。攝影：ToLoLo studio   会田誠－東京城 以銀杏林道為人所熟悉的明治神宮外苑，原有江戶城的石牆遺跡上，矗立起藍色、大地色二座「東京城」，選擇媒材是藝術家会田誠善用的防水布與紙箱，有著平價卻能堅固保護的特色，不僅適合此次場館的臨時性，也象徵不被困境擊退的人們。約10公尺高的紙箱東京城先以金屬勾勒架構，再以拼布般黏貼塑型，上層的天守閣則是事先完成製作運送至現場組裝。而高度減半的防水布東京城以鋼管組構再覆蓋上防水布並繫繩固定。 隔著道路相對的紙箱城與防水布城。© AIDA Makoto。攝影：ToLoLo studio   草間彌生－The Obliteration Room 最後追加的草間彌生團隊以2002年首次問世的互動展覽《消融之屋》參加，在澀谷區公所辦公廳內，打造出公寓。從客廳、餐廳、廚房到和室一應俱全，也完整設置家具、電器用品與居家擺設，展出前地板、壁面到家具全面地塗白，展期中事先預約就能免費參觀，來場者可自己隨意貼上圓點貼紙，結束時便共同完成一個被圓點淹沒的房間，呈現草間彌生所述消逝於圓點的概念。 房間內設置各種生活細節。攝影：木奧惠三 ©YAYOI KUSAMA Yayoi Kusama / The Obliteration Room 2002–present Collaboration between Yayoi Kusama and Queensland Art Gallery. Commissioned Queensland Art Gallery. Gift of the artist through the Queensland Art Gallery Foundation 2012. Collection：Queensland Art Gallery, Australia. Cooperation：OTA FINE ARTS   真鍋大度+ Rhizomatiks－2020－2021 位於Watari美術館對面的空地，擅長透過軟硬體讓人與科技連結的團隊，以視覺呈現，自2020年春天起緊急事態宣言下至今，陷入混沌狀態的各種訊息，透過AI將其抽象化轉變成連續性的文字或影像，在視覺不斷變化之下，透過展示板在人們眼中看似是光，實則為瞬間消失已成歷史的幻影。 都市中不斷傳遞著轉瞬即逝資訊。攝影：木奧惠三   Tokyo Tokyo FESTIVAL Special 13 PAVILION TOKYO 2021 主辦單位」東京都、公益財團法人東京都歷史文化財團 Arts Council Tokyo 、 PAVILION TOKYO 2021執行委員會 企劃」Watari美術館https://paviliontokyo.jp   PAVILION TOKYO 2021 展期」2021年7月1日至9月5日 會場」東京都各地，以新國立競技場周邊為主。 創作者」藤森照信、妹島和世、藤本壯介、石上純也、平田晃久、藤原徹平、会田誠、草間彌生 特別參加」真鍋大度 + Rhizomatiks   PAVILION TOKYO 2021展at Watari美術館 展期」2021年6月19日至9月5日 開放時間」週二到週日（AM11:00-PM19:00） 創作者」藤森照信、妹島和世、藤本壯介、平田晃久、石上純也、藤原徹平、会田誠 撰文」Chienpei Huang  

由香港室內設計協會主辦、香港特別行政區政府「創意香港」為主要贊助機構的首屆「香港室內設計周」已於日前圓滿落幕，從8月1 日至22日舉辦一連串活動，除了是香港室內設計界首個且規模最大的活動，同時也邀請大眾一同參與，希望藉此提升大眾對於室內設計產業的關注。《室內》雜誌專訪香港室內設計協會會長潘鴻彬，與讀者分享此次的活動規劃、內容與亮點，以及同時身為PANORAMA泛納設計集團創始人的他，對於未來的展望和設計理念。  關永權設計師與梁志天設計師。 潘鴻彬表示，設計周的規劃始於2019年，因觀察到其他產業常舉辦時尚周、博覽會等活動來向大眾展示成績與交流，然而香港的室內設計雖然活躍於國際，但卻沒有正式且公開的活動能與大眾對話，因此有了設計周的發想。然而因新冠疫情的影響，原規劃在2020年進行的設計周，在多方考慮下，選擇延期至2021年舉辦。香港室內設計周作為產業的首個大型活動，備受各界關注，活動的主旨是希望表揚香港室內設計大師的成就、新一代室內設計專才的才華，更重要的是與大眾分享香港室內設計行業的最新發展。  香港室內設計周活動現場，規劃五大主題展區展出。 為了增加大眾的參與度，設計周正式登場前，即透過由公民提名及投票的「我最喜愛的香港室內空間」展開。潘鴻彬說到，在疫情的非常時期，因為不能出國，反而藉此機會讓大眾回頭欣賞香港本地的設計，從百貨商場、酒店旅館、書店、辦公室到藝文展演空間，從使用者的角度發掘鮮為人知的空間故事，最後獲選的10個空間作品也在展覽中展出。緊接著藉由「開放日」活動，帶領大眾走進平日不易開放參觀的場所，包含表演/視覺藝術場地—藝穗會、義大利設計藝術畫廊—Novalis Contemporary Art Design Gallery、設計工作室—元新建城、電影院—iSQUARE 英皇戲院、品牌陳列室—亞細亞瓷磚概念店，在業內人士的講解下，透過親身體驗，感受設計師別出心裁的設計，進行一場室內設計的藝術之旅。  香港室內設計周活動現場，規劃五大主題展區展出。 最後設計周的壓軸則是在香港會議展覽中心舉行的博覽會、論壇以及工作坊。從8月20至22日，為期三天的活動，共有5場論壇、8場工作坊以及內容豐富的展覽。除了展出由公民投票出的10個「我最喜愛的香港室內空間」，還特別設置傳奇展區向梁志天、林偉而、伍仲匡、顏學添、關永權以及張智強等香港的室內設計大師致敬；「全球室內設計大獎—香港作品展」展出在國際評選中屢獲殊榮的香港設計師，表揚他們的成就和才華；而「創新提案—作品徵集展」（Creative Collection）展區，則介紹以當代生活、社區、學習以及為健康生活而設計的新趨勢。展區和展品之間，透過具關聯性的香港空間故事串聯，彷彿一趟走遍香港天南地北、橫跨傳統與現代的時空之旅。 香港室內設計協會會長潘鴻彬。 論壇一共邀請了25位講者。潘鴻彬表示，因為邀請的學者、設計師不僅來自香港、日本、澳洲、荷蘭等國內外各地且人數眾多，加上緊迫的籌備時間，對於主辦方來說是一大挑戰。5場論壇透過現場以及視訊的方式，分別以「室內設計教育學」、「東方設計匯聚」及「重點會議：酒店零售設計」等議題開講，與參與者分享他們的設計視野，演繹設計的無限可能。 展覽現場。 潘鴻彬作為PANORAMA泛納設計集團的創始人也談及自己的設計理念，公司以書店、商場、酒店等各式商業複合式空間設計活躍，而他們始終秉持「以設計來說故事」的概念。以近期公司榮獲紅點設計獎best of best的《覓居酒店》為例，酒店以「竹子林」的名字作為概念開啟故事，為了做出市場區隔，他們選擇使用在地的竹子為建材，讓它不僅是一個精品酒店項目，更是一個宣揚文化的媒介。他提到，每個案子對於團隊來說都是一次經驗、一個挑戰，希望不斷跳脫傳統，為設計注入更多的「人文」元素。而感知全球化的趨勢，潘鴻彬發覺因資訊發達，各國的設計元素與風格日漸相似，雖然有好有壞，但當作品太過相似就模糊了辨識度。他期許，香港的室內設計能找回自我的文化認同，透過歷史、文化差異等的元素，做出屬於自己的設計。 開放日—英皇戲院參訪。 首屆香港設計周盛大展開也圓滿落幕，然而今年只是個開端，香港室內設計協會希望它可以變成一個持續性的活動，透過業界之間、跨界甚至是與民眾的互動，提升香港室內設計的水平。設計周結束後，協會將專注於亞太區室內設計大獎項目，潘鴻彬表示，今年是香港室內設計協會創辦30週年，目前正積極規劃明年第30屆的亞太區室內設計大獎，作為一個歷史悠久的獎項，不管是在分類、評選系統甚至是對於空間的定義，將因應環境的改變重新調整與規劃，同時除了頒獎典禮，如何透過推廣與行銷活動，延續獎項的效應，讓獎項更具意義也是他們希望努力的方向。 ​資料及圖片提供」香港室內設計周、香港室內設計協會 採訪」歐陽青昀

當浪漫的春天離去，熱情的夏季到來，人們的心境似乎也隨著季節的轉換而起伏。夏天，除了學生們迎接期待已久的假期，也是世界各地的旅遊旺季，而英國倫敦海德公園內的蛇形藝廊也在這熱情高漲的夏季裡，展開一年一度的藝術盛事—夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）。 展亭外觀。© Counterspace Photo: Iwan Baan 「蛇形藝廊」是位於英國倫敦海德公園內，肯辛頓花園蛇形湖畔的一座美術館，自2000年的夏季開始，藝廊每年會邀請享譽國際的設計團隊，在藝廊前打造一座為期三個月的臨時建築展館，被稱為蛇形藝廊夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）。2021年，此計畫邁入第20個年頭，今年邀請來自南非Counterspace事務所的建築師Sumayya Vally負責操刀設計，而她也是計畫實施以來受邀最年輕的建築師之一。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 來自南非的女性設計師Sumayya Vally Counterspace事務所是由Sumayya Vally、Sarah de Villiers與Amina Kaskar三位生於1990年的女性建築師，在2015年共同成立的建築工作室，他們的作品不僅關注包容性、他者與未來，設計靈感更是來自他們的所在地—南非最大的城市約翰內斯堡（Johannesburg），期望將非洲大陸的歷史文化透過藝術、建築、設計等多元形式展現。年僅30初頭的Sumayya Vally，透過獨特的設計思維與視角，不僅被視為新生代建築師中的明日之星，更被紐約《時代雜誌》選為2021 TIME 100 NEXT。 設計師 Sumayya Vally。Photographed by Justice Mukheli in Johannesburg, 2020. © Counterspace 在南非學習建築設計的Sumayya Vally，長期關注身份、社區、歸屬感等社會議題，在設計上，她不斷跳脫西方的傳統思維，將南非獨有的文化語彙注入於作品之中；從她過往的實踐至2021年的夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion），不難發現她的創作皆是圍繞著不同的歷史、族群以及對各樣聲音的觀察和發聲。Sumayya Vally提及，她大部分的靈感來自於約翰內斯堡的精神、面臨的挑戰和機會；她的童年常待在由祖父經營位於約翰內斯堡市中心的店裡，她清晰的記得，她小時候遊走在城市街道時，觀察到各式場所、活動以及文化勢力的那股激動和震撼。所以，當她被邀請作為此次展亭計畫的設計師時，她就希望能藉由這個機會，向其他和她一樣擁有不同文化脈絡的人們展示，他們能為世界帶來不同的面貌。 “ 建築所扮演的角色，是吸收、反射並轉化我們在世界上的定位。 ” 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 靈感發想：倫敦移民文化與跨文化 因新冠疫情的影響，2020年的夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）延期至2021年舉辦；然而，這一年的停歇卻也讓Sumayya Vally有了更多的時間以及空間反思展館設計對於大眾的意義。 展亭外觀。© Counterspace Photo: Iwan Baan 展亭的設計是依據在過去和現在的倫敦城市裡，用來作為聚會、組織、和具有歸屬感的地點。展亭的造型輪廓是將多個地點的建築元素，透過抽象化、相加、疊加、切割而成的結果，將倫敦的形狀轉化爲展亭的結構重新組合再現於海德公園內。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan Sumayya Vally以布里克斯頓（Brixton）、霍克斯頓（Hoxton）、哈克尼倫敦自治市（Hackney）、哈姆雷特塔倫敦自治市（Tower Hamlets）、埃奇威爾路（Edgware Road）、巴金-達根罕倫敦自治市（Barking and Dagenham）、佩克漢（Peckham）以及諾丁丘（Notting Hill）等，這些對於倫敦移民和跨文化極為重要的社區鄰里中的市場、餐廳、工作室、書店、當地文化機構的建築為參考。例如，市內最早建造的Fazl清真寺以及東倫敦清真寺、哈克尼倫敦自治市的Centerprise合作書店、Dalston Lane的The Four Aces Club、Mangrove餐廳、諾丁丘嘉年華會等，Sumayya Vally希望擷取這些歷史精神並透過設計與其致敬。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 展亭是由再生鋼、軟木和覆蓋微水泥的木材建造而成，並參考倫敦建築在光線下的變化，選用不同質地以及色相的粉和棕色色調呈現。Sumayya Vally期望它不僅是一個展館建築、一個藝文活動，而是她為倫敦市民打造的一個新聚會場所。 延伸至展館外的結構裝置 擺放在德普特福德（Deptford）The Albany藝術中心的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 2021年的夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）也首次踏出蛇形藝廊，將展亭建築部份結構的小型裝置擺放在四個激發展館設計的地點，以表彰它們對於社區的貢獻和支持，分別是芬斯伯里公園（Finsbury Park）內英國首間黑人出版商與書販的New Beacon Books、諾丁丘（Notting Hill）的文化藝術／娛樂場地The Tabernacle、德普特福德（Deptford）的藝術中心The Albany以及Valence圖書館內的Becontree Forever Arts and Culture Hub。 擺放在Valence圖書館內的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 擺放在芬斯伯里公園（Finsbury Park）內New Beacon Books的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 擺放在諾丁丘（Notting Hill）文化藝術／娛樂場地The Tabernacle的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 2021年的倫敦蛇形藝廊夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion），已於6月11日盛大開展，並開放至10月17日，期望在疫情下為世界和倫敦市民帶來一些慰藉和希望。 2021 倫敦蛇形藝廊 Serpentine Pavilion 展期」2021年6月11日至10月17日 10：00～18：00 網站」https://www.serpentinegalleries.org 資料及圖片提供」Serpentine Galleries  撰文」歐陽青昀

《環城 The Circle》比鄰瑞士蘇黎世機場（Zurich Airport），其宏偉而醒目的環形外觀是瑞士最大的建築之一。日本建築設計師山本理顯，打破以往建築設計的傳統框架，將這個多元服務空間打造成一個具有城市系統的圓環，並藉由象徵和諧與完美的圓形設計，來體現瑞士在建築與規劃方面的嚴謹。   環城鄰近蘇黎世機場，擁有便捷的交通系統；同時坐擁大片Butzenbühl 綠地，與周圍環境和諧共存。 建築群由小巷及廣場交錯而成，蜿蜒的公共通道串聯大大小小的廣場，並連接鄰近的機場和Butzenbühl綠地，使建築的各個單位能有系統地與環境集結成一個整體，構成一座小城鎮。 環城巨大且醒目的圓形外觀以密閉的幕牆系統覆蓋，此項目不僅作為蘇黎世的城市新標記，並發展出一套城市系統。 在交通層面，環城坐擁優越的地理位置，擁有便捷的交通系統；而在服務方面，此項目著重於商務與生活品質，涵蓋精品、餐廳、會議廳和頂級酒店等多元空間。這些內涵的組成，不僅讓大眾看見環城在城市中的重要性，也透過建築讓蘇黎世與世界建立深刻的連結，成為蘇黎世的鮮明標記。   建築上方的屋頂花園和露臺為環城的第五立面，地面以石板鋪設，欄杆則為玻璃設計。 小城街景的實現 此項目在施工、建築結構與建材尺寸等方面皆根據建築方格網(building square grid )布設，以確保整體規劃的準確性。再加上建築構思運用連貫性概念串連，使複雜的城市結構與建築脈絡能具有更加彈性且統一的規劃。   此項目主要以蜿蜒的小巷和廣場規劃出城市街景，通透的雙層玻璃帷幕設計讓室內空間能與戶外進行對話，以及優化室內採光，地板則使用石板鋪設讓環城的形象更加具體。 環城的大門入口設置在面朝機場的地面層，穿越階梯、斜坡或電梯後，則可通往建築前方的Butzenbühl綠地。小巷與廣場在環城中肩負靈魂角色，它們貫穿了此項目的所有區域，作為遊客行經的主要路徑。環城裡，地面和立面皆選用高品質建材，並藉由簡潔的樣貌讓各租戶的店面在呈現品牌特色的同時，也能與建築本身的設計和諧呼應。 環城的整體基礎結構皆為縝密而和諧的系統，連貫性設計也讓建築功能更加具有彈性和統一性。 在小巷與廣場的交滙處，地面採用小型的方形石板順著蜿蜒道路而鋪設；廣場中央則鋪設大型的天然石板，與周圍的小型石板連接，並且示意場域轉換。小巷內的梯座坡度一致，踏階延續小巷地板的特色，採用天然石板順應步寬與步長而鋪設。整齊劃一的石板設計，沿途林立的商店群像，高度起伏的動線變化，讓遊客恍若走在小城街景上。 廣場中心的地板以大面方形石板鋪設。 面面俱到的微城市規劃 建築的玻璃圍幕是環城的一大特色，團隊採用瑞士創新的密閉幕牆系統（Closed Cavity Facade, CCF），運用雙層玻璃幕牆包覆環城的所有子區域，不僅能達到優化室內採光、無阻通風的效果，亦使建築群能夠與周遭環境對話，映現出周遭風光。 租賃區域的店面設計皆交由租戶設計，讓店家各自展現品牌特色。 此項目的立面設計主要分為兩個範圍，一個是面朝綠地的垂直立面，包含山坡、小巷和廣場；另一個是面向交通系統的外突立面。垂直立面的部份呈現建築的高度，同時發展出結構可能的深度，突顯出建築量體的邊緣。外突的立面線條則圍覆著建築朝向機場的環形區域，構築出建築雄偉的姿態。 會議中心的大型會議廳採用對稱式設計，豐富了空間的層次感。 遊客在環城內可體驗２種空間型態：「城市規模 Urban scale」與「人文尺度 Human scale」。就「城市規模 Urban scale」而言，山坡及環側皆屬於此一範圍，建築表面均採用雙層玻璃幕牆設計，並將擁有高光澤度的鋁板覆蓋在上方作為護欄，以提高外牆的隔熱和防曬效果。 Butzenbühl 綠地為環城的項目之一，蘊含森林、草地和濕地等自然景觀。 在「人文尺度 Human scale」部分，則以小巷決定環境，垂直通道、玻璃電梯、入口大廳，以及不屬於品牌商家的租賃區域，皆按照城市規模的標準立面和密閉幕牆系統的規則作規劃。由於品牌商家是人文尺度的重要組成元素，並且佔據了環城大部分的空間，因此設計團隊精選高品質的建材來建構形象與外觀，租賃空間則交由租戶自行完成，令商店百花齊放，並呈特色。在這些涵蓋人文尺度的空間中，採用玻璃屋頂與城市規模的立面形成連結，完整了整體項目。   會議中心與綠地 會議中心的大型會議廳是環城不可或缺的重要元素，其恢宏的格局總共可容納1,500人，透過落地摺疊門可將空間彈性區劃出3間獨立小型個室。會議中心大廳以潔白的梯形結構作為空間特色，它採用預製的坡形白色混凝土組建而成，而裝設上方的玻璃屋頂能引入自然光線，兼具視覺美感同時提升室內採光。另外，在傾斜處與隔間牆之間的壁龕巧妙地隱藏了機械設備工程，使空間更形簡潔俐落。 Butzenbühl 綠地的地板同樣以天然石塊鋪設。 除了環城本身雄偉的建築外觀，旁鄰的Butzenbühl綠地也是此項目的特色環節之一，綠地不僅平衡當代建築與環境景觀的關係，同時也吸引民眾親近自然，共同體驗明媚的自然景觀。Butzenbühl綠地的地面延續著環城市的小巷與廣場設計，同樣採用天然石塊鋪設。此外，設計團隊為Butzenbühl的濕地規劃施作與水面齊平的步道，讓民眾近距離感受公園裡寧靜的水景風光。 自行車車道位於環城外側與公路的邊界牆之間，幕牆以鋁製擴張金屬板製成。 設計師簡介 山本理顯（Riken Yamamoto） 日本建築師，1968年畢業於日本大學理工學部建築學科，1971年取得東京藝術大學院建築博士學位，並於同年在東京大學生産技術研究所繼續學習。1973年創立山本理顯設計工場。 圖片提供與版權」Riken Yamamoto & Field Shop 撰文」紀奕安

7月初的台北街頭，出現了一間令人眼睛為之一亮的新地標。由全台灣最大的咖啡原物料供應商－源友企業，成立的品牌「CAFE!N」，特地邀請曾設計全球知名咖啡品牌「％ARABICA嵐山店」的設計師Elson與其團隊MIZUIRO Design水色設計回台操刀全新旗艦門市，企圖引領台灣咖啡場域的新浪潮。《室內》雜誌隔海專訪設計師Elson，與讀者分享他的設計理念，以及他對美好生活的想像藍圖。   MIZUIRO Design水色設計   / 林正斌Elson 黃詩茹Lucy MIZUIRO =ミズイロ=水色。水清無色，純淨透明，「水色」是形容水的狀態：凝結、融化、蒸發，自然的存在於生活環境中，環境的變化讓水有了循環、讓水有了生命，雙方共生共存。MIZUIRO的設計期望如同「水」的本質，風格簡潔清晰、造型多變卻有內涵；概念自然流露卻不矯揉造作，讓設計能在不同的空間之中因應環境而變化，發展出自己最適合的型態。 CAFE!N旗艦店選址於三角窗，是經營商業空間的絕佳地點。 喝咖啡，儼然已成為時下社會一種新的生活方式，它是一種體驗、一種享受。城市中隨處可見的咖啡小店，不僅豐富了街邊景象，透過舌尖品飲來自世界各地的咖啡風味，也是現代人在忙碌工作之餘的心靈綠洲。而咖啡生豆的質地越硬，代表品質越好，這也是「CAFE!N」品牌命名的靈感來源，藉由母公司堅強的咖啡「硬實力」，提供消費者美味的味覺饗宴，設計師Elson表示，由於本案為品牌的旗艦門市，在設計發想上，他注入一個全新的概念：「CAFE!N × L!FE」，希望透過生活感的塑造，讓門市與消費者的互動更為密切且多元。   格局再造與店面角色的再定義 Elson認為，1樓的空間是拉近消費者距離的第一線，也是店員最容易與之產生互動的地方，但原有基地的1樓卻保留著通往2樓的巨大樓梯，不僅佔掉了絕大部分的面積，也因為建物本身並非方正造型，導致在規劃服務機能時，必須浪費掉許多畸零空間，在與業主溝通後，儘管需要增加不少預算，業主依舊支持設計師重新規劃樓梯細節；且為了不壓縮店員操作動線的餘裕，Elson嘗試將吧台外推至門面，讓店員們在服務時的專業形象，成為門面視覺的一部分。   為提供店員流暢的作業動線，設計師重新整理1樓布局。 Elson表示，此次旗艦店重新定義了CAFE!N與城市的關係，他反其道而行，跳脫傳統商業空間張揚、引人注目的調性，而是賦予店面安靜、簡單、低調的個性，企圖弱化其於城市中的存在感，把「有」留給環境，店面則呈現「無」的角色，因此設計師取消過往設計中常見的黑色、木質色等，改將白色放大，藉此讓城市與店內所上演的故事，有著更具張力的感受。 牆面以白色紙漿代替壁紙，增加紋理和材料的變化。 此外，搭配著空間中的細節，如用油漆滾筒塗刷的白色LOGO浮牆，牆面以白色紙漿代替壁紙，呈現出的紋理和質地皆有微小的差異，也讓空間縱然低調，卻擁有多種層次。除了沉靜內斂的形象外，Elson更主張旗艦店必須更貼近消費者，硬體之外更需要加入「人」的豐富情感，大家都能找到與環境互動、對談的方式，並了解隱藏其中的設計意涵，讓處處充滿著生活的體驗感！   手作溫度豐厚了空間生命力 生活感，是CAFE!N旗艦店十分重要的環節，設計師由此延伸出材質設定，「手作」是不可或缺的部分。如同生活，滿盈著質感也具有變化；如同生活，完美之中總伴隨著些微不完美；如同生活，需要用心體驗才能感受深層的美好，Elson特地選擇由職人手藝鏝抹出的地坪水泥粉光、一層層塗抹而成的立體LOGO油漆、由外帶杯架（環保紙漿）相疊製成的立體驚嘆號，又或是串接上下樓層的紙漿牆面，這些無法復刻出相同模樣的語彙，正是設計師希望呈現的生活痕跡。 由職人層層塗抹而成的立體Logo牆面，讓空間多了手作的質感。 CAFE!N旗艦店基地位在三角窗邊，無論是由內而外，抑或是由外至內，都有著良好的視野，是絕佳的開業場所，為了不破壞周遭環境，以及維持設計本身的簡約概念，立面未做過於顯眼的裝飾，而是於室內創造猶如招牌般的「標的物」，立體驚嘆號便應運而生。 以外帶杯架製成的立體驚嘆號，不僅是品牌的識別，也成為空間中引人注目的焦點。 設計師解釋道，驚嘆號不只是裝置藝術，除了與人產生互動外，也應為環境著想，遂利用環保紙漿形塑，達到環保永續的目的；而符號的凹凸造型，在製作時需經過層層疊砌方能穩固結合，並突顯出堆疊後的細節，也因為選擇回收材料，再製時難免會有厚薄不一的現象，但Elson認為這樣的效果更加真實地表現出「生活中些微不完美」的設計理念。   為確保空間的通透性，在家具的配置上，設計師以「減低數量、簡化空間、視覺活潑」等三大面向作為主軸，藉由減少單張桌椅，讓整體布局較為簡化，也能更直接的表現設計力道；利用薄板製作的金屬家具佐以簡易的折角設計，除可穩固結構外，亦使輕盈感受貫穿其中。 有機式的座位安排，帶來更多元的配置彈性。 設計團隊從不同層次、造型、家具著手，以提供多元視覺角度供消費者體驗，人與人、人與空間之間的互動，可以讓店面的氛圍更為活絡；再者，所有商業行為的構成中，消耗及浪費必定會發生，面對這種無可避免的難題，Elson也期望可以從每次的設計中，一步一步尋找到適宜的解決方式，就好似由回收材製成巨型立體驚嘆號裝置，便是設計師和品牌對於環保的實踐。 由1樓向上仰望樓梯與立體裝置藝術品。   資料及圖片提供」MIZUIRO Design水色設計 採訪」陳映蓁

還記得每回搭乘飛機時雀躍又期待的心情嗎？在抵達旅途目的後，機場便是首個與當地接軌的地點。機場不僅做為與國際連結的樞紐，亦是體現國家的人文風情，為每位踏入機場的旅客帶來深刻的第一印象的重要國門。 「視覺之門」文化藝術展於東京國際機場（羽田機場）與成田國際機場展開，邀請各國旅客共同探索日本文化及歷史魅力。（圖片提供：Takashi Kawashima） 2021年2月9日至9月，日本文化廳於國內7個國際機場和１個港口舉辦文化藝術展，以「CULTURE GATE to JAPAN」為企劃主題，使機場和港口成為旅客初步了解日本文化的入口。每個展區皆邀請現代藝術家及設計師運用裝置藝術或影音媒體的形式，來詮釋日本各個區域的歷史背景與文化特色。即使受到新冠疫情的阻礙，短期內難以實現自由旅行，各地民眾依然可透過官網資訊共同體驗富含日本文化底蘊的藝術饗宴。   視覺之門（Vision Gate） 以凌空視角揭開藝術序幕 保拉·安特那利／紐約現代藝術博物館建築與設計部資深策展人兼MoMA現代藝術博物館R&D部研發長。（圖片提供：Marton Perlaki） 東京國際機場（羽田機場）與成田國際機場在美國資深設計師保拉·安特那利（Paola Antonelli）精心策劃之下，以「視覺之門（Vision Gate）」為主題，於2021年初揭開展覽序幕。保拉·安特那利將自身搭乘飛機和旅遊的經驗融入策展構思，期望透過裝置藝術和影片來呈現搭乘飛機所見的景致—雲層及河川，讓觀展的民眾能擁有深入其境的體驗，同時藉由展示作品來發掘日本文化過去至未來的視覺感官，深入探索這個島國的歷史背景與文化魅力。   裝置藝術 擁擠的雲（Crowd Cloud） 創作者」鈴木有理、細井美裕 2位聲音藝術家鈴木有理和細井美裕攜手合作，共同打造結合視覺與聽覺藝術的裝置。這朵運用68隻高低不一的喇叭構築而成的人造雲朵，收錄並播放旅客在機場迎客大廳與親朋好友對話，使人能夠用心去傾聽日本這個民族的真實聲音。 「擁擠的雲」象徵視覺之門的大門，結合視覺與聽覺藝術，迎接每位抵達機場的旅客。 而在視覺效果的部分，喇叭特別選用「蒔繪（蒔絵）」常用的色彩漆覆外觀，在宣揚日本傳統工藝技術的同時，也與在地的藝術文化連結。藉由現代藝術作品與傳統藝術融合，使人們對於日本歷史演進的概念更加具體化。 鈴木有理／藝術家、設計師及音樂家，同時是五角設計聯盟（Pentagram）的合夥人。 作品設計靈感源自一首名為《歌唱技巧A.I（Vocalism A·I）》的具象音樂作品，是由日本現代知名作曲家武滿徹和詩人谷川俊太郎聯手譜寫出的經典名曲。《擁擠的雲》和《歌唱技巧A.I》這兩個作品皆捕捉到人們周遭無形的情感，細膩地展現言語與聲音的力量。 細井美裕／聲音藝術家。（圖片提供：Ken Hirose） 藝術家認為，語言是文化的一部份，乘載了一個民族的歷史、思想和信仰等多種面向。日語本身便體現了日本含蓄、內斂且謹慎的性格特色，透過言語交流能更進一步地去感受民族的歷史背景與魅力。   多媒體影像 寫實的世代群像   東京主題公園 （Theme Park Tokyo） 創作者」Acky Bright 影片連結」東京主題公園 Acky Bright／插畫家及漫畫家，其作品以傳統的黑白線條聞名。 Acky Bright是一位日本知名插畫家及漫畫家，在「東京主題公園Theme Park Tokyo」這部影片中，他以自身特色的黑白漫畫風格來呈現日本澀谷與原宿的街道景致，全片的表現手法生動活潑，既帶出東京現代科技的發展，也融合傳統的文化元素，讓人耳目一新。 一拍 （Hitoshobu） 創作者」井上純 影片連結」一拍 井上純／其作品將傳統藝術—書法與塗鴉、嘻哈這兩項現代藝術融合，以創造獨特的空間。 影片記錄井上純在掛軸上創作的過程，其作品不僅結合現代塗鴉和傳統書法的技巧，再配合身體的律動，將自身對於「視覺之門」這項主體的觀點，鮮明地灌注在作品之中。 重力花園（Gravity Garden） 創作者」兒玉幸子 影片連結」重力花園 兒玉幸子／擁有物理學科的背景，為首位結合鐵磁流體和藝術創作的藝術家。 擁有物理學背景的藝術家兒玉幸子，運用紅、綠、藍色的螢光鐵磁流體（Fluorescent Ferrofluid），在磁力與重力的作用下，創造出日本的重力花園，同時展現日本的生命力。    TSUGI 創作者」PARTY 影片連結」TSUGI PARTY／一家集結藝術、科學、設計等領域的創意公司。 這項作品涉及氣候變遷和自然生態保護的議題，例如：北極冰因地球暖化，其面積逐漸縮小；森林占地因野火肆虐而逐漸流失。面對環境浩劫，我們該如何應對？PARTY在作品中藉由日本傳統修補技術「金繕修復」，藉由金漆象徵人類的意志修復及環境損失，以喚醒大眾對環境議題的重視，共同去思考並採取行動來改善問題。   滿月之日（Day of a Full Moon） 創作者」茂木モニカ 影片連結」滿月之日 茂木モニカ／藝術家、攝影師及導演。（圖片提供：Monika Mogi） 影片蘊含對日本自然景觀的愛，帶領觀眾一同探索茂木モニカ眼中超凡推俗且神祕莫測的自然環境；同時融入自身對女性強大而獨特的特質的憧憬，紀錄女性的穿著在過去和現在的變化。   古事記 – 天之真名井 創作者」森萬里子 影片連結」古事記 – 天之真名井   森萬里子／當代藝術家。（圖片提供：David Sims） 作品運用電腦產生圖像技術來呈現日本首部文史典籍《古事記》的故事，影片演繹天照大神在須佐之男的十拳劍撒上天之真名井的淨化過程。森萬里子不僅藉由神話故事呈現日本的歷史與傳統文化，亦具有賦予日本生命力的象徵。 圖片提供與版權」Vision Gate 攝影師」Takashi Kawashima 撰文」紀奕安

7月初的台北，人流因為疫情少了些，但街頭卻出現一個令人驚豔的新地標－台灣咖啡品牌「CAFE!N硬咖啡」所打造的「CAFE!N台北民權店」。兩層樓的基地由曾設計全球知名咖啡品牌「％ARABICA嵐山店」的團隊MIZUIRO水色設計操刀，設計師Elson表示，他在本次旗艦店的設計發想中，增加了與一般門市不同的新概念：「L!FE」，期望描繪出一股隨性的生活感，讓店面與消費者能有著更適切的融合。   在概念延伸的材質設定上，「手作」是很重要的一個環節，手作的質感充滿著溫度和變化，需要細細體驗才能感受到其中的層次，Elson除了為CAFE!N旗艦門市妝點上好看的面貌外，更期待於其中添加消費者的豐富情感，讓每一位上門的顧客，都能找到與這個空間互動、對話的方式，並了解其中的設計意義；他發揮為空間敘事的特長，構築出店內多處亮點。   亮點1：巨型驚嘆號 垂吊於天井，以外帶紙杯架（環保紙漿）砌形而成的兩公尺巨大立體驚嘆號，是店鋪中最重要的標的物，驚嘆號作為企業的識別形象，不僅藉此與品牌產生連結，亦可強化過路客的印象，無形中達到廣告效益。 亮點2：無死角視野 三角窗邊的基地穿透明亮，沒有過多結構干擾，由內而外都有著良好的視野，能夠盡享城市景觀。 亮點3：有機式座位 有機式階梯座位及開放性桌椅，削弱傳統對號入座的制式感，人與人之間也能保持適當的距離，不論一人獨坐或三兩好友散坐皆十分自在。 亮點4：純白空間與手作溫度 由職人層層塗抹的手作感立體LOGO牆再次突顯出品牌識別，以薄板製作的金屬家具，透過簡易的折角設計達到穩固效果，整體視覺輕盈簡約，交織出空間的層次和張力。 Elson企圖藉由CAFE!N旗艦門市，向消費者傳遞「互動的美好」，期望從互動中，為店面發掘更多有趣的可能性，也創造出新型態的咖啡場域浪潮。 資料及圖片提供」MISUIRO Design水色設計 撰文」陳映蓁